(Littlerunner)

Francesco Aprile

THE HACIENDA - Più volte citati da Bf, sono stati protagonisti di interviste e di un vecchissimo e acerbo Diario di Bordo di qualche tempo fa…oggi più che allora il loro spettacolare live è un’occasione divertente per godere di meravigliosa musica dal sapore di altri luoghi. Il loro nome non vi suonerà certamente sconosciuto in quanto chiaramente ispirato dal locale di Manchester ed è vessillo dell’interessantissima scena indie.rock italiana degli ultimi anni. Sono in questo “brutto” giro ormai dal 2003, ma la vera conferma arriva qualche anno più tardi (nel 2010) con la pubblicazione dell’EP “Conversation Less” che ha allargato il raggio di interesse verso il gruppo fiorentino. La loro musica sprizza autenticità ad ogni nota, sarà questo il motivo per il quale l’Europa li adora, soprattutto posti generalmente ostili come la Repubblica Ceca e la Germania…loro in effetti sono un po’ così: pazzi scatenati/nti dall’aria disinvolta e indifferente. Non stupitevi se a metà di un loro concerto starete lì a chiedervi se avete capito male la loro origine (italianissima!) e vi sembrerà di trovarvi non troppo lontano dai sobborghi londinesi, dove la buona musica si fa per caso, così come viene! “Conversation Less” è stato osannato dalla critica di ogni genere ed è un album straordinario, ricco di stile e da ascoltare tutto d’un fiato, di quelli che quando li ascolti pensi che non ne potranno uscire di uguali, poi un giorno dal nulla il gruppo se ne esce con “Picking pennies off the floor” ed è la conferma all’opinione positivissima che già avevo di loro. Ogni loro concerto è occasione lieta di risa e ilarità, la loro simpatia, oltre che eccellenza musicale, supera la soglia consentita dalla normalità e la naturalezza con cui affrontano palchi ardui e sconosciuti è lodevole. Paroloni a parte si possono bere fiumi di birra e riuscire a scandire il tempo che passa solo da quello, se non fosse che ad un certo punto i concerti finiscono, nessuno si sposterebbe dal proprio posto, se non per accennare  qualche passetto mooolto brit. Bravi, bravi quanto lo erano gli Oasis prima di divenire gossip pari e rovina famiglie o quanto i Blur prima di trasformarsi in cartoni animati inanimanti. Se vi piace il genere o solo l’idea che vi è rimasta del defunto, correte a sentirli da qualche parte, vi accorgerete che finalmente esiste qualcosa che qualcun altro potrebbe invidiare alla nostra Italia.

JOHN DE LEO – Se potessi allegare a queste sterili pagini le emozioni che mi hanno condizionata durante questo concerto sicuramente sarrebbe tutto più chiaro. E’ grande autore, un eccellente interprete ed un performer all’altezza di qualunque palchi (e dire che nella sua carriera sono stati tantissimi e di ogni tipo, pure l’Ariston, ve lo ricordate no quando con i Quintorigo shoccarono SanRemo con la straordinaria “Bentivoglio Angelina” e “Rospo”? E non solo…)…I Quintorigo sono stati tra i gruppi che più ho amato da quando ho il coraggio di ascoltare musica, e con estremo piacere e assoluta fortuna il John De Leo che mi aveva lasciata sotto shock anni fa lo ha rifatto, anzi lo ha fatto in modo ancora più incisivo. Per molto meno di due ore (purtroppo) ha calibrato tutte le attenzioni su di un piccolissimo palchetto con su una chitarra (quella del bravissimo Fabrizio Tarroni, eccezionale musicista e tale anche ai cori) spaziando tra atmosfere musicali assolutamente insolite ed un’estensione vocale sempre più aliena piuttosto che umana…La sua voce sensualissima e calda, ancora una volta “trattata” come uno strumento, assecondata, accarezzata, anche sfidata, attorcigliata a loop estremi e ripetuti all’infinito ma che ogni volta suonavano in modo diverso. L’ultimo lavoro in studio ormai risale a troppi anni fa, è “Vago svanengo” eccezionale esempio di cantautorato aulico ed autentico di un’artista che dell’originalità ne ha fatto il punto d’inizio. Per chi ricorda (spero un po’ tutti) Demetrio Stratos è un gioco da ragazzi capire cosa fa De Leo…totalmente fuori gli schemi canori e stilistici puri, rappresenta la qualità assoluta, che ormai in Italia si tende a dimenticare un po’ troppo spesso! A metà strada tra la musica d’autore e la letteratura, il concerto assolutamente minimale, possiede un certo carisma teatrale, fascino e bellezza tutto insieme, e credetemi nessuno intorno a me aveva il coraggio di dire una sola parola…Salta all’occhio l’incredibile goffaggine di questo strano personaggio, una certa simpatia infantile confermata da un’esperimento canoro eseguito con l’ausilio di un registratore giocattolo . Dal 2005 ormai la sua strada si è allontanata da quella dei Quintorigo e da allora si è fatta sempre più forte il prepotente carisma di questo incredibile artista…se qualcuno di voi avesse un minimo dubbio è giusto che si conceda un concerto di De Leo, lo deve alla musica, ma soprattutto lo dovete a voi stessi…questa volta non scherzo, rimarrete senza parole almeno per un’ora buona!

FRANKIE MAGELLANO – E’ un folle visionario e come si fa a non andare ad un suo concerto quando è proprio a portata di mano dietro l’angolo di casa??? E’ un dovere assolutamente da compiere…è come concedersi un ritorno alla giovinezza, all’età delle favole (per chi come me ormai le avesse dimenticate) quando bastava un racconto fantastico per farci andare lontano. Quelli di Frankie non sono racconti fantastici, solo meravigliosamente reali ma narrati con la magia con cui si parla ai fanciulli. In casi come questo si dovrebbe prima concentrare l’attenzione sul significato vero e proprio del “fare teatro”, ma spiegare l’insieme di stili rubati qua e là ad esso e alla musica d’autore sarebbe come banalizzare un progetto che va ben oltre la catalogazione.  La carriera di questo particolare progetto risale al 1995, da allora lo straordinario autore/attore/interprete ha viaggiato e ha fatto viaggiare in mete sconosciute e poetiche con l’ausilio dei grandi musicisti che lo accompagnano: una chitarra, un contrabbasso, un pianoforte, una batteria, Frankie e nient’altro. Credetemi, vi basterà eccome, per un momento sarà come staccare la spina e abbandonarsi all’arte del teatro, quello drammatico e ironicamente recitato. Si possono leggere grandi cose a proposito di questo particolare progetto  e si può cercare di incanalarlo dentro dei canoni stilistici ben precisi, ma è un’impresa assai ardua, l’unico modo di giudicare (non lucidamente) qualcosa del genere è trovarsi di fronte a questo spettacolo, dimenticandosi degli attori stessi e di tutti gli spettatori intorno, solo ascoltando la “fantomatica recita”, magari chiudendo gli occhi, il resto verrà da sé! Per descrivervi le sensazioni che potreste provare citerò l’autore stesso, che ad ogni gesto dà regala un particolare significato, in questo caso ogni canzone recitata diventa improvvisamente “…una seconda vita, viene eseguita al fine solo del piacere.”. Ma dopo una premessa del genere magari le aspettative saranno entusiasmanti…lasciatevi andare, tutto potrebbe andare esattamente come pensate…a vostro rischio e pericolo e ricordatevi che (come dice un loro lavoro discografico) prima o poi lui vi mangerà!

ANZIKITANZA – Sono passati ormai dieci anni da quando per la prima volta gli Anzikitanza presero sul serio l’idea di dare vita ad una grande (sia di numero che di intenti!) realtà musicale…e da qui al secondo e particolare lavoro in studio, è Questione di Stile l’ultimo e attesissimo album del gruppo pseudo catanese. C’è chi lo ha definito un lavoro stilisticamente ibrido, a me piace pensare che invece in esso sono convogliati tutti i gusti musicali dei componenti e le lezioni imparate durante questi anni di progetti e concerti in giro per l’Italia. Sono stati etichettati come i figliocci di Roy Paci, definizione che a loro non proprio calza a pennello, in quanto figli adottivi dei grandi nomi del raggae e del rock steady giamaicano, sono ben altri i nomi a cui si sono ispirati per giungere fino a questo punto. Sulla loro strada prestigiosi palchi e innumerevoli collaborazioni, da Udine a Rosolini, una carriera fatta di riconoscimenti e di grandi amici, gli stessi che nel tempo sono diventati collaboratori! Durante la presentazione dell’album, in vendita da qualche giorno, la veste del gruppo diventa più classica e patinata, adatta al riarrangiamento acustico di alcuni pezzi fatto apposta per l’occasione. Il palco di un teatro/libreria però li mette un po’ troppo in imbarazzo quindi dopo un po’ si inizia a far casino, i fiati smettono di comportarsi da “bravi ragazzi” e le percussioni riprendono il loro posto accanto ai ritmi caldi della batteria! Una voce femminile dolce e ammaliante, un “cantastorie” greve e affascinante, altri sette musicisti e il gioco è fatto: i toni del raggae si smorzano e il ritmo in levare coinvolge persino un timido tango (e come dicono loro “Non ci resta che piangere coltivando speranze…”) ma ahimè, la vita è fatta anche di tristi realtà, soprattutto negli ultimi tempi, ecco perché anche il  brio musicale de “La questione meridionale” si interrompe quando si ascoltano le tristi parole  che raccontano una diversità economica e culturale ancora troppo pesante da sopportare e sostenere. Gli Anzikitanza sono grandi comunicatori, al di là dei gusti musicali e di chi va a vedere i loro concerti, fanno della parola (italiana, inglese e dialettale) il principale mezzo per arrivare a tutti coloro che si trovano ad incrociare il loro cammino artistico. La magia di un loro live è legato all’incredibile carisma di tutti e nove gli elementi e alla forza della musica in levare, ancora troppo sottovalutata…Cercateli e se vi siete messi in testa di trovare i soliti musicisti con i dreadlocks cambiate prospettiva, potrebbe piacervi tutto ciò.
Il Diario di Bordo giunge alla fine (forse vera e propria) inutile ribadire tutto il divertimento e la speranza legati ad ogni singola parola riportata in tutto questo tempo…ancora una volta rimane a voi l’ultima parola, i miei sono solo divertenti suggerimenti d’ascolto. Vi lascio con quella che forse rimarrà la citazione più sentita (e qui non si tratta di ascoltare!) “…e non ci resta che piangere coltivando speranze, noi fotografi liberi degli eventi che cambiano, e non ci resta che scrivere parole amare, suonando liberi, liberi così.” (Anzikitanza)…e mai parole furono così azzeccate.
Stay freaks…on the road…sempre!

Per contatti e info: Maruska Pesce www.facebook.com/indiemska.pesce

Il disco da recensire mi arriva per corriere.
Il ragazzo che me lo porta sbraita perché è caduto a causa di due ragazzine in motorino che gli hanno tagliato la strada e neanche si son fermate per vedere come stava. E’ incaxxato anche perché gli agenti di polizia presenti nel luogo dell’incidente che lo soccorrono non hanno preso la targa delle piratesse. E’ incaxxato perché le due incoscienti incarnavano il suo  prototipo di ragazza-lobotomizzata-logovestita. Classica mantenuta a vita da papino (prima) e ciccino (dopo). Vabbè, cose che capitano, l’importante è poterle raccontare.
Il disco, fatalità, è dei “Girls against boys”.
Perché scegliere un nome così per una Band? Le ragazze contro i ragazzi in che senso? A me “le ragazze contro i ragazzi” evoca il sesso più che la competizione.
Mi viene in mente il film di Sorrentino “This must be the place”, l’avete visto? Ve ne guardate bene dal farlo? - Beh, comunque sia,  c’è una scena in cui un ragazzo, a nome della sua Band, invita  Cheyenne (che è Sean Penn nel ruolo di un cantante affermato ma non più sulle scene)  a produrre il suo disco – nel farlo gli fa presente che può metter bocca su tutto meno che sul nome della Band: “I pezzi di merda”.  “I pezzi di merda”, fantastico!!!  . Potrebbe essere un’altra divertente attività per gli opinionisti quella di speculare sul perché di certi nomi voluti dalle Band. Tanto ormai ci sono opinionisti per la qualunque.
Veniamo al disco. Risulta essere il quarto album di questa Band e si dimostra degno del successo di cui sembra aver goduto all’epoca del suo lancio (1996). E’ bello, ricco di melodie taglienti, e ritmi ipnotici. Mi verrebbe da dire bello come New York di notte (e infatti la Band pur essendo originaria di Washington DC risiede a NYC)
Il  suono è teso, variegato e rumoroso come la Grande Metropoli americana o almeno come la sua immagine pubblica.
Sembra un viaggio di luci  eppure “House of  GvsB” è al contempo semplice e coinvolgente. In un termine che si usa oggi: “cool”.
Ora mi sbilancio nella mia ignoranza musicale ed azzardo che questo tipo di musica  potrebbe essere classificato a metà tra il punk e il metallo (mandate pure insulti e commenti al mio indirizzo di posta che forse potrei decidere di studiare ed imparare qualcosa)
Quattro canzoni più pesanti caratterizzano l’inizio, poi  uno scorrevole lento, prima della scalata, l’ascensione e poi la conclusione delicata, piacevole.
Il disco, psichedelico durante le distorsioni della chitarra, rimane sempre affascinante e, persino, orecchiabile a volte.
I suggest.
(RubbY)

Hipsway
Genere: Pop rock.
Nazionalità: scozzese.
Formazione: Grahame Skinner (voce); Pim Jones (chitarra); Johnny McElhone (basso – abbandona il gruppo nel 1989 per fondare i Texas); Harry Travers (batteria) sostituito da Stephen Ferrera sempre nel 1989.
Discografia: Hipsway (1986, Lp); Scratch the Surface (1989, Lp).
Segni particolari: la loro capigliatura ciuffata vagamente littletoniana e/o bobbysoliana.
Data e luogo della scomparsa: fine 1989, Glasgow.
Motivo per cui saranno (forse) ricordati: per il brano “The Honeythief” e per aver contribuito con il singolo “Tinder” a una campagna pubblicitaria della birra McEwan.
Motivo per cui dovrebbero essere dimenticati e mai più riesumati: perché sono ancora meglio i Texas oggi che gli Hipsway domani!

The Young Homebuyers
Genere: Bop Pop Rock.
Nazionalità: australiana.
Formazione: Nigel Lawrence (voce); Greg Williams (seconda voce e forse chitarra); Mick Teakle (chitarra?); Greg Champion (chitarra?); Tony Thornton (batteria?); Paul Ziesing (basso?).
Discografia: Take one step (1983, Lp).
Segni particolari: uno più brutto dell’altro. Nome del gruppo compreso. Video inclusi.
Data e luogo della scomparsa: 1984, Melbourne. A seguito di una compravendita discografica andata a male.
Motivo per cui saranno (forse) ricordati: a parte essere brutti a 360°? Nessuno.
Motivo per cui dovrebbero essere dimenticati e mai più riesumati: perché nella storia di questa rubrica non mi era mai successo di presentare un gruppo senza avere l’assoluta certezza di chi suonava cosa!

Come promesso nel precedente numero di Beautiful Freaks ecco un intero “33 giri di piacere” dedicato ad uno dei più grandi produttori e musicisti degli anni Sessanta e Settanta: Kim Fowley.
Kim nasce nel 1942 negli Stati Uniti. Suo padre è Douglas Fowley, attore di pellicole western: suo nonno è invece Rudolph Friml, uno dei massimi compositori di operetta di Broadway. L’adolescenza Kim Fowley la passa ad Hollywood: giovanissimo si  improvvisa cantante, ballerino, e disc-jockey. A scuola fonda il suo primo gruppo con Gary Paxton e Ski battin, quest’ultimo suo assiduo collaboratore anche più avanti. Nel 1957 la prima esperienza che conta: Kim fonda un gruppo con Phil Spector.  Nel 1959 ottiene il primo incarico di produzione e non si lascia certo sfuggire l’occasione. Nel giro di quattro anni lancia gruppi “meteora” che nella stragrande maggioranza dei casi non sono sopravvissuti più di una manciata di anni: gli Hollywood Argyles di “Alley Oop” (1960), gli Stingers di “Nutrocker “(1962), i Rivingtons di “Papa-oom-mow-mow” (1962), i Murmaids di “Popsicles And Icicles” (1964), nonché i Paradons di “Diamond and Pealrs”, gli Innocents con “Honest I Do”, gli Jayhawks con “Stranded In The Jungle” fino a “Schaccianoci” di B. Bumble & The Stingers, brano che ebbe una certa notorietà nel 1962 in Inghilterra.   Fowley nel 1965 decide di andare oltre oceano, precisamente a Londra. Anche se si tratta di un produttore alle prime armi, i nomi che lancia nel firmamento del rock britannico sono importanti: Rockin’ Berries, P.J.Proby, Cat Stevens, Dave Mason, Jim Capaldi, i Belfast Gypsies, ossia parte dei Them senza Van Morrison  e il primo singolo dei Soft Machine..   Tornato in California, Kim canta nell’album d’esordio di Frank Zappa, scopre decine di nomi minori, suona sotto mentite spoglie in diversi dischi e incide il suo esordio discografico “Love Is Alive And Well” per la Tower nel 1967, accompagnato con alcuni singoli interessanti come la mitica “The Trip” il cui testo parla di un viaggio lisergico.  Un anno dopo arriva  l’album “Born To Be Wild”  e poi “Outrageous”, il suo album capolavoro, opera decadente che sperimenta in un modo che oggi appare semplice ma estremamente moderno. L’album è ricco di blues-jazz free-form dissonanti, parodie blues e country, canzoni vagamente pop come “Stranger From The Sky”, brani  duri come “Animal man” che negli anni diventerà un suo classico. Il disco è suonato con una chitarra veloce, acida e cattiva, con un organo che punta a creare effetti piuttosto che a creare melodie e con una voce che delira su temi quali droga, sesso e morte.   Dopo il capolavoro arriva “Good Clean Fun” per la Imperial nel 1969. Poi, un ritorno in Europa  e precisamente in Svezia: qui Fowley registra “The Day The Earth Stood Still” (1970),  disco per certi versi vicino al garage e sicuramente più accessibile.  Negli anni ‘70 lo stile si  trasforma. Kim abbandona il caos e realizza album che strizzano l’occhio ad artisti come Lou Reed: in quest’epoca escono i dischi “I’m Bad” (Capitol, 1972) e “International Heroes” (Capitol, 1973) antologizzati nelle raccolte “Visions Of Future” del 1978 e   “Automatic” del 1988. Da segnalare anche l’lp del 1972 “Animal God Of The Streets” con registrazioni che vanno dal 1969 al 1972 e realizzate tra la Nuova Zelanda, il Canada e gli Usa.  La carriera di Kim prosegue con “Living In  The Street” nel 1977. L’album è molto interessante e nasconde un’altra gemma orecchiabilissima: si tratta di “Motorboat”, il brano di apertura. Nel 1978 arriva “Sunset Boulevard” e il concept album “Snake Document Masquerade” per la Island. All’inizio degli Ottanta realizza raccolte con gruppi da lui scoperti per la Bomp di Greg Show (“Vampires From Outer Space”e “Wave”), e registra  “Hollywood Confidential” per la Island  (1980) e l’interessante “Son of Frankenstein” (Moxie, 1981). Poi, per il resto del decennio realizza album meno degni di nota. A questo punto della carriera, Kim sembra volontariamente mettersi da parte.  Sicuramente di questo personaggio che ha calcato la scena per almeno 20 anni, sono state importantissime anche le scoperte discografiche e le produzioni dei Settanta. A beneficiare dei suoi brani o della sua supervisione nel decennio ci sono New Riders Of Purple Sage, Blue Osyter Cult, R.E.O., Speedwagon, Dead Boys, Venus & The Razorblades. Kim produce poi le Runaways, band proto punk tutta al femminile capitanata da Joan Jett e le Orchids, gruppo formato da alcune componenti delle Runaways. Insieme a John Cale produce i primi Modern Lovers di Jonathan Richman. Sempre in quegli anni scrive canzoni per gente tipo Kiss e Alice Cooper.  Che altro dire? Sembra sufficiente questa breve scheda per inserire Kim Fowley tra i grandi agitatori, produttori, musicisti del rock n’roll a stelle e strisce?

I trent’anni non esistono più. Ce li siamo persi, sono stati cancellati dalla precarietà lavorativa, dalle promesse dei dischi che continuiamo ad ascoltare e dai social network. Per chi pensa che L’Orso siano solo canzonette generazionali si perde qualcosa. Il collettivo di Mattia Barro e Tommaso Spinelli racconta storie che fanno parte di noi. Avere vent’anni è uno stato esistenziale tra messaggi d’amore di 160 caratteri, dischi dei Beirut, amarezza scanzonata e paesaggi emozionali in continuo divenire. E la cultura pop ringrazia.

“L’Orso è quel paesaggio che attraversi in bicicletta quando dal paese ti dirigi verso la città”: com’è fatto questo paesaggio?
Campi che diventano periferie e negozi di alimentari che divengono ipermercati. Paesaggi aperti che si stringono e musica più fitta. Se si tengono gli occhi pronti puoi trovare il buono in entrambi i luoghi.

L’Orso non è una band ma un collettivo: chi può partecipare?
Chiunque voglia suonare con noi, disegnare, far video. Non ci poniamo limiti.

Da L’adolescente a La provincia EP…cosa cambia e cosa è passato?
Cambia la maturità di approccio alla musica, alla composizione e alle registrazioni. Aumenta il range sonoro, aumenta il numero di musicisti impegnati nel nostro lavoro. ‘La provincia EP’ è poi il nostro primo EP per un’etichetta (Garrincha Dischi, ndr.) e quindi si avvale di tutti i vantaggi della situazione: avere musicisti dell’etichetta disponibili a suonar con noi, avere un produttore, avere migliori attrezzature.

Da dove nasce la vostra ispirazione musicale?
Ti cito parte del nostro comunicato stampa perché molto incisivo su questo argomento: ‘Le influenze de L’orso possono essere ritrovate nel twee-pop innevato degli Acid House Kings, nella disperazione degli Arab Strap, nel verde dei Belle and Sebastian, nelle camminate sui Balcani con Beirut e nella provincia pavese degli 883. C’è chi parla dell’America, ma L’orso preferisce le bande che sfilano orgogliose per il paese in festa.’

La provincia è uno stato d’animo come lo è essere adolescente. Che rapporto avete con la città in cui vivete e –ahimè- col diventare grandi?
Viviamo tutti - momentaneamente - a Milano. Tommaso è l’unico ad esserci nato e cresciuto. Il rapporto che noi fuori-sede abbiamo con la città è un rapporto abbastanza classico: odio profondo, ammirazione e, in parte, amore.
Col diventare ‘grandi’ abbiamo una certa problematica di fondo; siamo una generazione con un futuro a dir poco incerto e, a breve, bisognerà darsi da fare per davvero.

Il momento più bello che vi piace ricordare da quando è nato L’orso.
A me piace ricordare la data al Castello di Ivrea con Brunori Sas. C’era la mia famiglia, la mia città, una scenografia bellissima.

A quando un album completo?
Profezie Maya permettendo, nel 2013.

Progetti futuri e sogni nel cassetto- e che ci potete svelare-?
Usciamo con un nuovo EP a metà aprile, poi tanto tour!
(ADL – Alessia De Luca)

Nella loro storia un precendente lavoro indipendente “Drops Made” che vanta passaggi radiofonici persino in America, terra che li tiene tutt’ora legati a sé, numerose collaborazioni degne di nota, dai Frames ai Noah And The Whale e la partecipazione all’omaggio italiano alla musica del grande Bruce Springsteen. Come non citare le due “chicche” del gruppo: l’intensa cover di “Songs of the time” di Neil Young e un commoventissimo omaggio a June Carter (tormentata compagna di Johnny Cash, spero non abbiate bisogno del suggerimento!) che regalano al disco, registrato insolitamente tra Roma e Nashville, un’ atmosfera romanticamente folk unica nel suo genere. Potreste ascoltare dieci tracce che parlano d’amore, di vita, di incredibile coraggio; dieci esperienze musicali misteriose e affascinanti (tra tutte “Ballad of love” e la spiazzante “Song of the end of the world”).

I Mardi Gras possono vantare titaniche imprese musicali, la critica li ama, una bella percentuale di pubblico li sconosce, proprio per questo motivo in questa particolare chiacchierata cercherò di svelare qualche altro losco segreto o più semplicemente darvi la possibilità di innamorarvi della loro musica…e se la fine del mondo dovesse realmente avere il suono che gli hanno dato, beh, allora non dovrebbe essere poi così male!

Uno di voi (e non faccio nomi!) a proposito di “Among the streams”  mi ha detto che “…è un fottuto gran bel disco”…parlatecene!
CLAUDIA :E ‘un disco dove il filo conduttore è l uomo e i suoi  desideri, le sue mancanze, la sua voglia a volte di comunicare, quanto  di vedere una speranza anche laddove pare non esserci. La copertina  vede 2 foglie intersecate in un flusso di acqua, ecco credo che  racchiuda benissimo il leit motiv del cd, i flussi della vita che  scorre.
FABRIZIO : E’ un disco dove la band ha dato tutta se stessa, in termini  di coinvolgimento emotivo e di sostanza sonora, è un disco nato sui  palchi dei live club, dunque con un approccio molto live anche se poi  in studio abbiamo lavorato molto sulla forma canzone. Sempre però a  servizio delle storie che si raccontano in “Among the streams”.Ci sono  i nostri brani e inoltre una poesia di W.B.Yeats tradotta in musica  con un ospite speciale come Liam O’Maonlai (Hothouse Flowers) e  l’omaggio a Bruce Springsteen di “Land of hope and dreams” già  presente in “For you 2″ (Route 61 Music) 25 artisti italiani che
interpretano il songbook di Bruce secondo me in modo unico e speciale.

Secondo i giornalisti di Jam e LosingToday è tra i dieci album più  belli del 2011, nonostante ciò a proposito di musica indipendente  escono fuori sempre i soliti nomi, alcuni meritatamente citati, altri  semplici fuochi fatui…che ne pensate a riguardo?
F: Avere la propria opera riconosciuta è stato un momento  veramente bello e inaspettato, aldilà di rientrare nelle classifiche
di fine anno. E’ un gioco divertente che da anche l’occasione di  andare poi a scoprire certi artisti o certe band. L ho fatto
personalmente leggendo queste classifiche, è una opportunità per  conoscere quanto di buono è uscito nell anno trascorso. A tal
proposito sto scoprendo band come Fleet Foxes o artisti come  Bon  Iver. Per il discorso soliti nomi/fuochi fatui questo si vedrà nel  lungo raggio, di come un artista o una band terrà botta nel suo  percorso e nella sua offerta musicale. In casa nostra posso dire che  c’è un attenzione quasi smodata su 3 o 4 nomi al momento, personalmente posso dire che un artista come Paolo Benvegnù ha fatto  un disco meraviglioso, profondo e anche difficile al suo primo ascolto… e sono felice che la sua opera sia ormai riconosciuta e
apprezzata. Ed è stata per noi un emozione vera avere Paolo apprezzare tantissimo il nostro cd. Credo che tutte la band e artisti italiani debbano qualcosa agli Scisma.

Il disco è nato tra Roma e Nashville, per questo motivo sono chiarissime le influenze della musica d’autore italiana e del folk  d’oltre oceano, ma oltre allo stile vero e proprio che differenza esiste nel modo di creare/suonare musica in America?
Claudia: Nashivlle è stato l ultimo step della realizzazione, il cd è stato masterizzato da Alex McCollough famoso per i suoi lavori con Kris Kristofferson , Carter Family, Nanci Griffith e Robert Plant (per me una speciale emozione!) .  In America come in altri luoghi fare musica è un lavoro rispettato e  importante per lo sviluppo e la crescita di un Paese. L ho visto con i miei occhi  anche in Irlanda  per esempio. Questo vuol dire migliori condizioni per i musicisti, rispetto per quello che hai scelto di fare. Qua in Italia c’è un diffuso senso di precariato, e non solo tra la musica. Parlo di tutte le arti ( e non solo).
Fabrizio: E pensare che l’Italia è la patria del bel canto….Per quanto riguarda la ricezione dell immaginario Mardi Gras in America,
siamo stati molto trasmessi dalle radio indipendenti americane, ci  hanno sempre trattato molto bene, da Chicago all Alaska. C’è sempre molta curiosità e trasporto per ciò che arriva dall’Italia. Siamo sempre maestri di stile e di coolness in America nonostante il declino evidente che ci è stato negli ultimi anni agli occhi non solo dell’America, ma del mondo intero.

Lo chiedo a voi che rappresentate la qualità nascosta della varietà musicale italiana, c’è un modo di riscattarla, contrariamente a ciò che attualmente ci propina il mercato musicale attuale?
Fabrizio:  Per me alla fine c’è solo un modo, quello di scrivere belle  canzoni e farle sentire in giro, sfruttando ogni canale, dal
passaparola che è sempre secondo me il modo migliore e più diretto fino alle radio. Finalmente anche in radio mainstream si sentono band e artisti di qualità, mai fino a un po di anni fa speravo di sentire una band come i Virginiana Miller a Radio Deejay, ma ciò è avvenuto, dunque qualcosa sta cambiando, in Italia a differenza di altri Paesi certi processi sono molto lenti, sta a noi, alle nostre proposte, a come veicolarle….

Sei artisti di indole musicale diversa compongono i Mardi Gras, parlateci un po’ di questo assemblaggio mistico…
Claudia: più che mistico io direi misterioso! considerati i nostri diversissimi background musicali è veramente sorprendente come a volte sia naturale, quasi inevitabile, trovare un terreno comune fertile per comporre delle canzoni che ci rispecchiano tutti.
Fabrizio: Si ci sta del mistero quando sei persone cosi diverse tra loro  si incontrano in una stanza, attaccano gli strumenti e suonano questa musica…è un dono..e anche quando i nostri pianeti non sono perfettamente connessi è sempre un miracolo e un legame magico che ci lega, il titolo del cd rispecchia anche noi sei persi nella  musica e se non ci fossero loro non esisterebbe assolutamente un cd come “Among  the streams” e non esisterebbero soprattutto i Mardi Gras. Tengo a precisare che per “Among the Streams” io  (che suono la chitarra acustica) ho scritto i testi e le musiche assieme ad Alessandro Matilli (piano) mentre la produzione artistica e gli arrangiamenti sono di Alessandro Cicala (Chitarra elettrica), Alessandro Matilli, e David Medina (basso). Alla batteria c’è Alessandro Fiori.

Quando ascolto la vostra musica la mia mente viaggia verso mete  sconosciute e un po’ magiche, perfino la fine del mondo appare affascinante, qual’è la vera genesi di questa magia?
Claudia: La genesi è appunto il mistero…e direi la speciale alchimia.. è meglio forse  non indagare su come ciò avvenga…
Fabrizio: C’era chi diceva che le canzoni già esistono e siamo noi ad afferrarle e portarle giu…la magia è quando un testo e una musica si incastrano perfettamente e danno vita a una canzone, magia è quando un colpo di basso e un tocco di rullante danno vita a un groove..la genesi di “Song from the end of the world” è esplicativa, avevo questa  melodia in testa e venne tutto cosi naturale che sentii subito una  magia, questo inizio cosi sospeso via via piu deciso….lo ricordo  come un momento magico davvero. La band poi ha reso questa magia una canzone…

Giusto per saziare la curiosità del lettori di BF, che musica ascoltate?
Claudia: ascolto molto rock del passato, i vecchi U2, gli amatissimi Led Zeppelin e i Jefferson Airplane per esempio. In questo periodo sono letteralmente innamorata di Glen Hansard e i Swell Season e P.J. Harvey resta una delle mie cantautrici preferite.
Fabrizio: Sono onnivoro di musica, da Elvis ai Chemical Brothers, ora sto ascoltando molta musica che viene da Roma, Modì e Operaja Criminale su tutti. Ma nel mio lettore non mancano mai Waterboys, Springsteen, Dylan, Counting Crows, The Frames, Johnny Cash tra gli altri.

Attualmente siete impegnati a far cosa?
Claudia: A promuovere ovviamente questo lavoro, tra radio web e stampa, poi vedremo dove ci porterà la musica e le nostre canzoni..e anche le nuove idee sicuramente

Vi congedo regalandovi la breve libertà di fare innamorare di voi tutti i lettori di BF…tre righe basteranno?!? Cosa rimane da dire…
Claudia: veniteci a trovare su www.mardigrasmusic.it e venite a conoscerci. Saremo ben felici di conoscere voi e darvi la nostra
musica senza filtri e con tuttta la nostra passione.. Grazie

Quello dei Mardi Gras è un mondo fantastico…ne rimarrete imprigionati…è magia!
(Maruska Pesce - purpetz.mska@hotmail.it)